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David King, potente magnate dell’industria musicale, mette in gioco gran parte del proprio patrimonio per riacquisire la maggioranza della sua etichetta. Il giorno in cui deve concludere l’accordo, riceve una chiamata anonima: suo figlio Trey è stato rapito e per la liberazione viene chiesta una cifra ingente. King accetta di collaborare con la polizia ma, poco dopo, si scopre che il ragazzo sequestrato non è Trey ma il figlio del suo autista; l’equivoco scatena una serie di indagini, sospetti e tensioni che mettono a nudo i legami economici e personali intorno all’affare. Tra interrogatori, perquisizioni e rivelazioni sul mondo della musica e della finanza, King dovrà confrontarsi con il compromesso tra ciò che possiede e ciò che è disposto a perdere per salvare chi ama. La vicenda si svolge nella New York contemporanea, sullo sfondo della produzione discografica e dei meccanismi di potere che la sostengono.
La colpa nasce dal debito: l’uomo divenne animale che promette perché imparò a ricordare ciò che deve.
(F. Nietzsche)
Un congegno narrativo che scorre come una corrente elettrica: un movimento continuo, pulsante, che non concede soste. Il ritmo è quello di una metropoli che non sa dormire e che, nel tentativo di decifrare la propria coscienza, si riflette in un protagonista tormentato da sé stesso: un orecchio che non ascolta soltanto, ma registra, deforma, amplifica.
Al centro, Lee colloca un’idea etica che si espande scena dopo scena: la responsabilità come labirinto. Non più semplice contrappeso morale, ma principio instabile che si aggancia alla storia economica del protagonista e alle pieghe di un antico testo giapponese reinventato, un’eco di Kurosawa di Anatomia di un rapimento filtrata attraverso il linguaggio finanziario del presente. Lì, dentro questa risonanza tra passato e speculazione, il film trova il suo motivo più profondo.
Le ambientazioni sono un manifesto estetico: spazi iperprogettati, eleganti come installazioni e taglienti come strutture d’acciaio, sembrano costruiti per esporre la fragilità dei personaggi più che per ospitarli. Ogni ambiente è un’idea, un gesto di design che si piega alla narrazione e allo stesso tempo la sovverte, imponendo un mondo che vive di geometrie più che di stabilità.
La musica attraversa tutto: non accompagna, divide, incide, scompone. È un dialogo nervoso tra beat e silenzi, tra ciò che il protagonista vorrebbe ignorare e ciò che la città non smetterà mai di gridargli. È anche là che il film affonda la sua critica al rap contemporaneo: non una condanna, ma un’analisi spietata della sua trasformazione in emblema economico, in marchio, in capitale simbolico più che in arte. Il suono nel film non è un ornamento: è un sistema di potere.
E poi c’è lui, il protagonista. Il suo orecchio è una metafora vivente: un crinale tra percezione e illusione, tra memoria e disturbo. Il rumore che lo perseguita non è soltanto acustico, ma etico ed economico: un retaggio di accordi mai chiusi, di contratti truccati, di promesse riciclate nel mercato. È attraverso questo orecchio che il remake kurosawiano si innesta come una febbre: una parabola antica che si intreccia con il presente e lo incrina.
Spike Lee firma così un’opera che ragiona mentre corre, che seduce mentre espone, che non concede punti fermi. Un film che fa del ritmo una filosofia, dello spazio un pensiero, della musica un grido, e dell’uomo — con il suo orecchio stanco e il suo passato ingarbugliato — il luogo dove tutto si rifrange e trova la sua precarietà sempre in agguato.
Ogni musica autentica è una protesta contro la realtà così com’è.
T. W. Adorno